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Freud deve estar contente com esta produção de Bong Jong-ho. Cazuza, que intitulou um de seus rocks mais ácidos de Só as mães são felizes, também. Aliás, a ironia contida no título é o mote desse filme, centrado num dos grandes arquétipos da história humana: a mãe. E esta mãe é a premiada Hye-ja Kim, uma pequena e arrebatadora atriz de 68 anos, até então ilustre desconhecida no ocidente.
Recorrendo às bases de dados e enciclopédias virtuais, o mais revelador que descobri sobre sua biografia é que ela é formada em artes plásticas e começou a sua carreira tarde para os padrões da indústria cinematográfica – repleta de crianças que mal abandonaram as fraldas – aos 29 anos. Outro dado interessante é que, desde o começo de sua atuação ela tem repetido, ocasionalmente, o papel da – quase sempre doce e alentadora – mãe, que agora a consagrou.
Mas, no filme de Bong Jong-ho, a mãe não chega a ser tão doce nem tão alentadora. O que fica evidente já em sua sequência inicial, quando a personagem faz uma estranha dança, num contentamento forçado, sozinha em meio a um vasto capinzal. Afirmando a ironia da letra do rock, embora o que a defina para o mundo (e para o público, do ponto de vista da narrativa) seja a sua persona de mãe, sua alegria é triste.

Ser mãe de Do-jun (Won Bin, numa atuação bem convincente), que aos 28 anos é uma criança grande com a vontade de viver própria dos jovens adultos, não parece ser fonte de grande entusiasmo. É, sim, o grande fardo que precisa carregar. Que a mantém tensa e observadora, com os olhos sempre postos na rua, esquecida de sua vida – que se consome para que ele possa viver.
A companhia conveniente de um bandido menor e aspirante a gângster do bairro, Do-jun passa de uma encrenca a outra, respondendo por delitos que não cometeu como um eficiente bode expiatório. Para o desespero de sua mãe, uma mulher simples e só. Acupunturista clandestina, precisa manter oculto o seu conhecimento em medicina alternativa e homeopática, por força da justiça que pune os autodidatas.
Vive, então, do fornecimento e processamento de ervas para uma farmácia de um bairro de periferia, onde também trabalha como balconista. Quando procurada por seus dotes quase milagreiros, faz poucos e breves trabalhos alternativos, afinal, se for pega o que será de Do-jun?
Consciente de que ambos, mãe e filho, são vítimas de um sistema que pune os desiguais e se alimenta da fragilidade dos pequenos, Hye-ja se desespera quando o filho é acusado de um crime que choca a todos na comunidade – o assassinato de uma colegial. De uma tolice infantil – Do-jun só se mostra agressivo quando alguém lhe chama de retardado – a polícia rapidamente consegue dele uma confissão. Nossa personagem central, então, mostra os aspectos positivos e negativos de seu arquétipo – a sabedoria e os segredos revelados que desmentem a submissão aparente da mãe.
Mentira, dor, abandono, culpa e o imenso amor que sente lançam Hye-ja na busca pela verdade que deve determinar a inocência do filho. E, talvez pela força do atrito, ela se mostra uma mulher mais brava e perspicaz do que convém aparentar. Assim como o filme é muito mais do que se espera dele. Apesar de desmentir o título da canção: para Bong Jong-ho as mães nunca serão felizes.

O que dizer quando um filme é tão arrebatador?

Dai já tinha comentado aqui que ele viria. Então ele veio. Aguardo ansiosamente a visão dela sobre ele também.

Mapa dos sons de Tóquio me perfurou a alma de uma forma que eu sabia que iria mesmo acontecer, já que, a diretora está entre umas das melhores ao meu ver. Isabel Coixet nos faz mais triste em “Minha vida sem mim”, assim como também em “A vida secreta das palavras”. Depois disso ainda assisti a “Fatal”, que acredito ter sido seu último filme antes desse que vou começar, ou já comecei, a falar.

Mapa dos sons de Tokio conta a história de uma mulher que trabalha no mercado do peixe a noite. É narrado por um senhor, seu amigo, eu ainda acredito que mesmo em silêncio se possa ser amigo de alguém. Uma personagem melancólica, marcada por dores que não são nunca reveladas, ela apenas dói.

Fique fascinada por algumas frases que fazem com que tu queiras dar um pause no filme só para ficar pensando muito sobre aquilo.  “As pessoas não mudam. As coisas talvez sim. Mas as pessoas, não.”

O filme me levou as minhas mais óbvias conexões ao cinema de diretores asiáticos. Cenas fenomenais, com uma trilha sonora impecável. Impossível não lembrar de 2046 e a velha conhecida frase “No amor não há substitutos.”. Impossível não lembrar da viagem pelos vagões do trem que levaria a 2046 quando o quarto de hotel que os amantes se encontram é uma réplica de um trem.

Coixet soube usar com maestria a sensibilidade oriental, o espaço de tempo, ao mesmo tempo mostrando a vida como é, os hábitos e as dores que são realmente universais.

Não quero falar muito para não revelar o filme todo, muito menos seu final.

“Eu tento não pensar em como as coisas poderiam ter sido diferentes entre eles,
porque agora é tarde demais.
Talvez fosse tarde demais desde o início.”

Mais um dos filmes que ficará na minha cabeça para sempre.

Zen começa no Japão.  Dogen é um garotinho, relembrando os últimos momentos que passou junto a sua mãe. A partir daí inicia a jornada dele a procura do verdadeiro Budismo. Anos se passam e logo ele está indo a China em busca dos ensinamentos dos metres e verdadeiros seguidores de Buda.

Então ele está na China e se torna um verdadeiro monge e mestre budista, depois de vários anos de meditação e aprendizado.

Volta ao Japão com a intenção de meditar e divulgar a verdadeira essência do Budismo. Claro que nesse meio tempo os conservadores o atacam, acabam com seu templo humildemente construído com a ajuda de outros monges que se converteram aos seus ensinamentos.

O filme é uma aula de budismo e de como viver a vida. Os passos, a meditação, o não ser egoísta e a frase máxima do filme: “O budismo está em tudo”.

Lindo.

Daisy é um daqueles filmes que te prendem porque a história vai num crescente que te deixa ao mesmo tempo que angustiada, tensa e esperançosa.

É a história de uma moça, artista, que espera pelo grande amor. Ela começa a receber margaridas de um admirador secreto e não sabe quem ele é nem de onde ele vem.

A trama parece boba, porém, a história dá uma volta impressionante, onde o bandido é também mocinho que a gente se apaixona. O mocinho é tanto quanto o bandido apaixonante.

Escolha o seu, amarre seu coração num lençol e prepare-se para chorar um pouco.

Um drama típico coreano que eu, particularmente, adoro.

O filme relata a vida de um pai de família que perde o emprego que tinha há anos e vai para as filas enfrentar a vida, já em idade avançada, mostrando assim o problema social passado pelo Japão com relação ao desemprego.

O que mais impressiona na película é a maneira como é mostrada o modo totalmente patriarcal e, muitas vezes até “ignorante”, de ser a família japonesa.

O pai não conta a família sobre o desemprego e passa os dias em filas de agências e comendo em centros comunitários. Enquanto isso, quando chega em casa, mantém aquela postura de “dono da família” e mandatário de todos os problemas familiares.

Uma cena que muito me impressionou foi quando ao sentarem para o jantar, todos aguardam ele tomar a cerveja, e depois disso apenas, que podem começar a se alimentar.

Outro fato impressionante, é a mostra de como a vida econômica pode abalar o ser  humano, como no exemplo mostrado, onde um homem se mata e também a sua família depois de ter cansado de procurar empregos, sem sucesso.

Tokyo Sonata mostra também a grande dificuldade dos pais se relacionarem com os filhos. Um deles queria servir ao mundo e foi para o exército, o outro apenas queria tocar piano. Nada disso é apoiado pelo pai, mas sim, e somente, pela mãe.

Para mim, uma das melhores cenas que já vi na vida:

Aconselho aos corações fortes e mentes equilibradas, rs.

Um belo filme.

Trailer:

Bela montagem de imagem, por Junipergirl

Foi então que na mesma época eu tive o prazer de assistir pela primeira vez a “Hiroshima mon amour” - agora mudávamos de foco e era um japones envolvido com uma francesa novamente.  Tudo me diz que tem um pouco de Marguerite ali. Cada detalhe, cada sensação e sentimento. É tão real.

Uma atriz em visita a Hiroshima a trabalho. Um arquiteto japones que está sem a família na cidade. Apenas dois dias. Um amor que jamais será esquecido.

O filme trata com tanta presteza da memória. As coisas que se quer esquecer e acha que se esqueceu, mas que voltam com tanta facilidade quando se toca nelas.

Acho interessantísssimo o modo como ele se desenvolve, um grande “bafo” para a época que foi filmado. Fiquei pensando e analisando aqueles dois no bar e aquela mulher linda e francesa bebendo cerveja como quem precisa daquilo para poder desabafar. Não tinha limites, não haviam esconderijos para aquela conversa e aquela cumplicidade que se formava ali.

É tão duro ter que esquecer. É tão difícil falar do passado, mas ao mesmo tempo, é incrível como com algumas pessoas isso acontece sem nenhum planejamento, é espontâneo. E era assim que acontecia entre aqueles dois.

Também interessante e chocante, são as cenas iniciais, onde mostram imagens das catástrofes causadas pela maldita bomba atômica que por lá destruiu tantas vidas, deformou tantas pessoas, acabou com tantos sonhos.

Além de ser um grito revoltado contra o acontecido, ele retrata a verdade das relações humanas no seu mais profundo modo. A memória, que lembra tanto as coisas de Kar-wai.

Não consigo não assimilar obras da Nouvelle Vague francesa ao cinema de Kar-wai. Godard, Resnais…

Fica aqui a dica, para quem não viu e para quem viu há muito tempo, como eu, vale a pena assistir novamente com outros olhos, talvez mais maduros e amaciados pelas memórias e a passagem do tempo.

Ontem revi Happy Together, o meu filme super master ultra ativante de choro. Não acha que tem dias que a gente precise chorar? Abraçar o travesseiro e chorar muito. Depois disso tudo, de toda a água correr, talvez, ou sempre, se sinta mais leve. Fiquei analisando as cenas, e como sempre, kar-wai usa a água como canal de resolução e resumo das tristezas. Resolução não, pois na real tem dores que nunca passam. Porém, acredito que é uma expressão das tentativas de se libertar da dor. Assim é o que nos passa as horas de Tony Leung nas beiras de Iguaçu. Assim nos parece a luminária que mostra as cataratas, como que aquele levar das águas levassem também nossas dores mais profundas e irremediáveis. Foi assim em In the mood for love, quando mostra as chuvas nas luminárias das ruas escuras. Quando mostra os dois correndo e se esquivando da água que caía dos céus. Eles ainda não queriam se libertar daquilo. Por isso fugiam da chuva. Happy Together tem uma coisa impressionante comigo. Ele tem o dom de me fazer pensar que a vida não é fácil e as resoluções nem sempre são as mais apropriadas porque sempre tem um outro lado envolvido. Naquele caso um amor, ou uma dependência por estar só em um lugar distante de casa. Sinto que quando Tony começa a amizade com a personagem de Chen Chang, ele já se sente menos desprotegido, se sente mais forte para não atender aos apelos do outro. E aquela amizade é tão marcante e bonita, que o abraço que eles dão quando se despedem, faz com que a gente esboce um pequeno sorriso. O modo como a cena foi filmada é genial. Você pode sentir o bater dos corpos e o carinho do abraço de amigo. É como se pudéssemos abraçá-los também.

“Imagine how the world could be
So very fine.
So happy together”

The Turtles – Happy Together

A moment in June ( Na Ka-na Rak) es una drama romántico escrito y dirigido por el tailandes “O” Nathapon Wongtreenatrkoon y protagonizada por Shakrit Yamnarm, Krissada Sukosol, Sinitta Boonyasak, Deuntem Salitul, Suchao Pongvilai, Napaskorn Mit-Aim y Hiro Sano. Hay quienes como yo reconoceran el nombre de Sinitta, por su hermosa actuación en Last Life in Universe.

Con fuertes referencias al cine de Wong Kar-wai, la película relata tres momentos en distintos tiempos: un director de teatro que está a punto de terminar con su novio en 1999, un triángulo amoroso ocurrido en 1972 y por último en el presente una pareja de ancianos se reune después de muchos años separados. Al igual que las 60′s movies de WKW, Nathapon refleja una época a través de la visión o el recuerdo de otras película tailandesas de los 70′s y de la música, utilizando en especial una vieja canción tailandesa “Tha Charom” de Charoen Nathanakorn.

Aquí el trailer: